改革开放以来，我国将西方名画鉴赏纳入义务教育范畴，实现了油画艺术在中小学阶段的启蒙。然而由于条件所限，学生没有机会亲见实物油画，取而代之的是印刷品，造成了起步阶段理论教学与实物体验之间的阻隔。此外，尽管近年来唐山的美术馆、博物馆会不定期举办美术展览，但没能较好地起到吸引普通民众目光、提高其知识背景和视觉经验的预期效果。在大众口味文化市场环境下，油画作品“三高”的特点，即成本高、艺术含金量高、文化品位高，致使其“曲高和寡”，价格低廉的电脑仿真画以及大量行画成为了低俗消费的宠儿，形成了如今地摊市场经营火爆，正规画廊门可罗雀的尴尬境遇。
二、唐山市油画艺术品市场的发展前景与对策研究
随着京津冀区域经济一体化的到来，作为一体化核心区域的唐山必将受到来自周边的文化冲击，唐山市油画市场将迎来全新的机遇与挑战。如何改善劣势，抓住即将到来的历史机遇，是摆在我们面前的首要任务。⑴树立学术评估领域职能关于如何构建多元化学术评估体系，树立批评家在学术评估领域中的权威性这一问题，不防回归到艺术批评的起点寻找答案。所谓艺术批评，其对象既包括艺术家的艺术作品，也包括艺术运动、思潮、流派、风格与批评本体等。因此，批评家不应仅限于采用跟进的方式对画家或团体绘画脉络和风格的发展与演化进行研究，而是可以在批评过程中，按照自己的学术立场发挥策划整合功能。此外，批评家还可以主动成为艺术事件的策划人，在画廊、大型展览等机构中有计划的主持展览与艺术活动。在塑造、推广中提高自身在学术评估体系中的话语权与权威性。2014年5月31日，由青年策展人高远及石冠哲策划的展览“超级景观———图像世界的多重逻辑”在石家庄美术馆的成功举办就是批评家参与主持艺术活动的成功范例。本次展览由中央美术学院人文学院副院长余丁教授担任学术主持，并邀请到王春辰、郝青松、何桂彦等批评家参与学术研讨会。两位年轻的策展人在作品的选择和组织上颇为用心，进行深入而扎实的学术梳理，诸位资深批评家也从不同的角度出发，为展览的学术价值保驾护航，最终，展览获得了学术界和大众的一致好评。⑵创新思维，改变现有画廊经营模式画廊作为一级市场的主力军，其能否发展壮大对整个油画市场具有重要意义，笔者经过长期走访调研发现当前唐山画廊业仍有很大改进空间，可对以下三方面建议予以关注：首先，画廊应具备严肃性特质。画廊在画家画作时应对其艺术价值、发展潜力等作出专业判断，善于发掘优秀作品，发挥第一道过滤屏障作用；充分认识到画廊是艺术家和收藏者间的沟通桥梁，熟悉签约画家的艺术简历、风格特点及创作动态，有计划地向受众群体进行介绍，使其在得到视觉享受的同时获知作品蕴含的精神内涵；恪守诚信、坚守艺术品位，培育自身信誉度。其次，画廊间需加强合作。如上所述，当前唐山为数不多的几家画廊正面临经营惨淡的困境，如何才能让画廊业在唐山艺术市场中生存下去进而发出自己的声音？打破各自为营的态势，建立画廊间的互助合作不失为一条途径。例如通过联合举办新锐作品展览、编印画册、组织青年艺术家集会等形式，凝聚新生力量，引领美术潮流，从而提高画廊影响力。再次，构建网络交易平台。鉴于当前唐山油画交易受地域限制相对封闭，不妨建立以画廊为中介的网络交易平台，即在制度性的网络交易安全防范模式下，通过画廊网站、论坛等多种形式，运用网络的灵活和宽度实现油画市场的多样化和灵活化，拓展中间商活动空间，加深不同地区间艺术家和买家们的联系和互动，增加网络画廊的利润。（3）寻求政府财政支持，呼吁完善制度建设第一，政府财政扶植。唐山油画艺术市场要步入正轨，需要政府给予积极导向与财政支持。如，通过调节税收政策，鼓励企业和赞助商将资金流入文化艺术建设；加强文化公共事业建设及美术馆、博物馆等建设；在城市建设规划中划拨一定范围的区域，作为专门的画廊街区或画廊集体展示的区域，保护其发展的艺术特性，推动城市独特气质的塑造培养等。通过一系列举措，相信唐山油画艺术市场将走上政府部门主导、市场运作的文化产业道路。第二，完善制度建设。当前市场上存在行画泛滥、违规交易、恶意炒作、哄抬价格等现象。对此，政府相关部门可借鉴一些艺术品市场比较成熟的国家的经验，对市场加以规范，保护经营者、收藏群体及油画艺术家的正当利益，为艺术品交易营造一个良性的发展氛围。
三、结语
（一）颜文樑油画的构图特色
不同于其他油画画家单一的构图形式，颜文樑油画的构图形式灵活多变，主要表现在以下几个方面。
1.构图饱满
西方油画家一直认为空间对所要表现的物象是没有任何意义的，所以西方油画家在进行构图的时候一直都在空白处填充以各种物象，如天空、白云、远山、飞鸟、湖泊等。颜文樑受西方油画家的这种影响颇深，所以他在进行油画创作的时候也遵循着“饱满”这一构图原则，并在此基础上形成了自己的构图特色。他的油画构图饱满丰富，却井然有序，丝毫没有臃塞之感。以油画《百果丰收》为例，椭圆形的画面中充斥着各种各样的水果，葡萄和西瓜包围着桃子和苹果，桃子和苹果中间又塞满了南瓜，而南瓜中间又有几朵红花作为点缀。这幅画面中没有留有任何空白之处，整体密实，物象丰富，带给人一种丰收的喜悦之感。虽然整体构图较为饱满，画面中物体众多，但是画家却将各种物象安排得井然有序、繁而不闷。
2.纵深感强
纵深感极强是颜文樑油画构图的又一大特色。他极为重视画面的纵深感，擅长对不同的物象进行空间摆位，然后通过不同物象的摆放位置来表现出一种前后不同的感觉，从而最大限度地体现出画面的纵深感和透视感。这种纵深构图有利于在二维平面上打造出一个三维立体空间的画面，加强了画面的真实感，能让受众产生一种“画中游”的感觉。颜文樑在进行纵深构图的时候通常将整个画面分为三个部分，即前景、中景、后景。其中，中景是画家所要重点描绘的部分。例如，创作于1919的《厨房》就是采用的纵深构图方式，画面分为前、中、后景三个部分，前景和后景都极为简单，作为整幅绘画的背景，画家对中景的刻画非常细致，画面中有玩耍的小猫、睡觉的孩童、逼真的瓷器以及各种厨具等，带给人一种极为强烈的视觉空间感，使观众好像身颜文樑油画艺术的创作特征李哲虎摘要：颜文樑是我国近代著名的油画家和美术教育家，他在精研西方各时期油画的绘画技巧及吸收借鉴优秀绘画传统的基础上，结合自己对油画的理解创作的油画作品在国内外引起了轰动。本文先概述颜文樑的艺术人生，然后从构图和色彩两个方面分析其油画的创作特征，希望能够为大家了解颜文樑油画艺术提供一些参考。关键词：颜文樑；油画；创作特征美术研究处作家所描绘的厨房中一样。
3.互相呼应
颜文樑自幼受国画的影响和熏陶，对我国传统绘画中的“笔不同意同”“画外之境”等理念有着独到的见解，并将其创新性地应用在油画创作中，形成了“互相呼应”的构图准则。颜文樑在进行油画构图的时候十分注意气韵的连贯，画面中各个物体之间都是相互联系、互相呼应的，这也使画面构图表现出一种完整性。仍以《百果丰收》为例，画面中的大西瓜、葡萄和莲蓬三种水果组成了一个大的三角形，且都为绿色，三者相互呼应，而被切开的西瓜、柿子和右边的红色的苹果又形成了一个红色的三角，和绿色的三角形成了鲜明的对比，两个三角形互相呼应、相互协调，这些水果在画面中协调统一。
（二）颜文樑油画的色彩特征
1.色彩饱和度较高
饱和度指的是色彩的纯度，纯度越高，画面色彩越鲜明；纯度越低，画面色彩就越黯淡。众所周知，西方油画色彩的饱和度比较高。颜文樑在作画的时候也倾向于选择饱和度较高的色彩，使画面呈现出鲜明、亮丽的特点，也有利于塑造画面中所要表达的物象的体积感和质感，如《肉店》《印度洋之中秋》《印度洋之锡兰》《雪霁》《鸟瞰香港》等作品中的色彩饱和度都很高。以颜文樑的油画作品《雪霁》为例，该作品描绘的是雪后初晴的景象，地上的雪为亮白色，天空中的太阳为鲜艳的橙红色，周边是被太阳染红了的红彤彤的云彩，整幅画面的色彩饱和度较高，亮白、橙红、鲜红等鲜艳、亮丽的色彩的运用也使画面极富立体感，能使观众产生一种身临其境的感觉。
2.色彩色调较为低调
颜文樑拥有丰富的绘画经验和高超的绘画技巧，善于运用不同的颜色来表现不同时节的不同物体的特点。但无论所要描绘的客观物象如何变化，颜文樑所采用的色彩的色调都是比较低的，黑、白、灰这三种色彩在其油画中出现的频率是最高的。颜文樑认为“黑、白、灰”三色是万能的颜色，不同明度、饱和度的黑、白、灰色可以用来表现不同的物象，且这三种颜色会给人带来一种低调奢华的感觉，符合大多数人的审美观念。例如，《普陀市街》的主色调就为冷紫色的灰色调，将南方小镇的清冷的感觉形象地呈现在了受众的面前。在创作这幅油画的时候，颜文樑所采用的灰和古典主义所钟爱的单调的灰色不一样，增强了画面的层次感，表现出了画家高超的色彩运用技巧。再如，《雁来红》这幅油画中，天空中略带暖黄色的白云及白色衣服都显得格外醒目，吸引了受众的注意力。总之，颜文樑油画的整体色调都较为低调，既单纯，又丰富。
3.色彩极为厚重
不同于一般的油画作品，颜文樑油画作品的色彩具有厚重感。在进行油画创作的时候，他倾向于运用厚涂这一创作技法，充分表现出所描绘对象的质感。通过研究可以发现，颜文樑的油画作品凹凸不平，颜色有高有低，且方向也不同，或是向左，或是向右，或是上，或是下，这样能使色彩表现出一种立体感，并且在不同角度的光照作用下可以表现出微妙的视觉变化，这也就间接丰富了画面的表现效果。颜文樑在实践经验的基础上总结出了薄涂、薄贴、厚贴、埋没、拍贴等不同的色彩厚涂技法，增强了色彩的表现力。如《前祠大殿》《普陀》《普陀前祠》《菜花》等作品的色彩是极为厚重的，无论是色彩的明暗对比度，还是色彩的冷暖色调，色彩的变化都异常丰富。尤其是《菜花》的用色让人感觉到“几乎可以抓住某些厚色将整幅作品提起来”。
二、结语
关键词：中国油画拍卖艺术品市场
一、中国油画市场的历史演进
中国油画市场的起步最早可追溯到20世纪80年代初期。随着中国的改革开放，国内与海外的经济文化交流日渐频繁，一些常驻中国的外交家、外企工作人员，还有部分游客开始零星地购买中国艺术家的油画作品。所以，早期的交易行为经常发生于外企、外交人员的家里或领事馆举办的聚会或小展览中。当然，也有部分作品挂在酒店中同工艺品、旅游纪念品一起销售。那时的画价非常低，除了当时市场经济并不十分发达、生活消费水平较低以外，在很多人心目中甚至是艺术家本人也从没有想过作品是可以自由买卖的。在我们的传统理念里，艺术与商业毫无瓜葛，艺术是纯粹而高尚的。油画作品开始频繁交易大约始于20世纪80年代中后期至90年代初期，其主要原因是我国港、台地区及东南亚一些国家的经济历经七八十年代的迅猛发展，积累了一定量的财富，并且，中国的艺术品价位较之上述其他地区的价位要低廉得多，品质与功力又相当不错，所以一些经纪人、画廊与藏家纷纷将目光投到中国艺术家身上。中国当代艺术品或者说中国油画艺术品正式进入海外艺术市场的标志性事件是1992年香港佳士得拍卖公司推出的中国当代艺术专场拍卖和1994年、1995年香港苏富比拍卖公司推出的中国油画拍卖。正是世界顶级拍卖行的专场拍卖为中国油画艺术品的市场发展起到了推波助澜的作用。从此开始，商业因素作为一个重要环节开始渗入中国当代艺术的发展历程，艺术与商业再也难以分离。在90年代的前半期，我国港、台地区及东南亚国家的油画艺术市场逐渐由盛转衰，来自于我国内地的油画作品也渐趋饱和，质量更是良莠不齐。正是此时，欧美市场趣味开始取代东南亚市场，前卫画风开始抢滩欧美艺术市场，艺术品价格更是迅速飙升。从此中国艺术家的身影开始闪现于欧美国际艺术舞台，引起了欧美市场的关注与反应。这一进程的背景是随着改革开放的不断深入，无论从政治上、经济上，中国都取得了巨大的进步，世界越来越关注中国，希望参与中国的发展。中国内地艺术市场的真正启动，是以1993年中国嘉德国际拍卖公司的成立为标志的。它率先推出的中国油画雕塑专场拍卖第一次全面地将油画呈现在世人面前，置身于中国艺术市场中。也正是“专拍”的不断努力，迅速地扩大了油画的知名度，促进了中国藏家与投资人对油画或当代艺术的了解，嘉德拍卖公司亦成为中国油画拍卖市场中的领头羊，成为中国油画艺术市场的重要风向标。拍卖是中国艺术市场中的一件大事，它以其集中的、大规模的、完全市场化的运作机制以及强有力的宣传，对社会产生了广泛的影响，加速度地促进了中国内地艺术市场的发展。90年代中后期，中国画廊业的兴起进一步夯实了油画艺术市场的基础，开始引导艺术市场向规范化、制度化方向迈进，并与拍卖业形成了互补的局面。画廊是整个艺术市场体系中最为重要的基石，在艺术家与收藏家、个体与社会间起着桥梁的作用。它们主要集中于北京、上海等大城市，这与经济发展速度密切相关。这些画廊都是市场初期与海外交易过程中形成的。到90年代中期，一些更具有主动性与多样性的画廊涌现出来。有相当部分的画廊是由外国人开办的，90年代后期，由于上海经济迅速发展，向国际化大都市迈进，出现了很多私人画廊，绝大多数都是中国人自己开办的。画廊从数量上超过了先行地北京。进入21世纪，一些海外画廊看好中国经济发展态势，开始纷纷涉足中国艺术品市场。①
二、中国油画市场兴起的原因
中国艺术市场在经历20世纪90年代突进式的发展，目前进入一个相对平静的整合期，一些积累的问题也就凸现出来。比如作品的真伪、价格的炒作等等，尤其集中于近现代书画名家作品上，使艺术市场的风险性增大，也使进入书画领域的收藏与投资的资金需求量越来越大。这里除了有市场初期不可避免的机制不健全、投机分子作祟、中介机构的不规范操作之外，也与一些收藏者、投资者的急功近利、盲目投资有关。正是在此背景下，油画市场开始兴起。油画作为一个新兴领域，资金的需求量与书画市场相比较少，书画市场所面临的种种问题与尴尬在油画领域内几乎还没有到来，易于进入。因此，部分资金从书画市场投向油画市场，这是油画市场兴起的主要原因。第二个重要因素是随着中国经济的不断发展，新兴的产业阶层与白领阶层日益崛起，社会审美风尚改换。由于这个阶层日益发展成为社会的中坚力量，他们无论在资金能力、文化水准、审美趣味上，都乐于接受充满新意、具有挑战性的当代艺术，他们的年龄与知识背景决定着他们与中国当代艺术的亲和力。所以体现时代气息、色彩丰富、充满节奏感的油画逐渐成为这一阶层的需求对象。由于目前视觉环境、视觉符号无论是立体的还是平面的，都在向着现代的、时尚的、国际化的方向快速发展，人们的审美口味已经发生了潜移默化的转变。这也促使中国人对油画、雕塑等原本来源于西方艺术体系的艺术品并不觉得陌生，从简单了解发展到欣赏的层面。第三个因素是中国油画艺术体系的自身发展。油画从海外传入到今天也只有短短的一百多年的历史，但却在中国生根开花，产生了像林风眠、赵无极、吴冠中等中国油画大家，尤其是改革开放以来，中国油画艺术空前发展，形成多元化的局面，经过数代人的努力，积累了丰厚的艺术资源，为我们进行收藏与投资提供了广阔的空间。第四个因素是近年来拍卖业、画廊业等中介机构逐步走向规范化，大力推陈出新，培育了新兴市场。虽然从市场份额上与传统书画市场相比还相差不少，但其发展潜力决不可小觑。
三、中国油画市场的现状分析
以嘉德的油画专场拍卖图录为例来加以简单分析，我们可以看到市场是由以下几大板块构成的：1.早期油画作品，大致占整场比例的15％；2.东方格调的华人经典画风，比例约占6％；3.写实倾向的学院派画风，包括现实主义画派比例约占40％；4.青年油画家的多元化风格，包括部分前卫艺术作品，比例约占39％。（一）早期油画作品——20世纪初期留学海外的前辈画家作品
他们是中国油画艺术的奠基者，在中国现代美术史中拥有崇高地位。其中的代表性人物有徐悲鸿、林风眠、刘海粟、潘玉良、吴作人等。徐悲鸿的作品《风尘三侠》在2001年中国香港佳士德秋季拍卖中以704.37万元港币成交；林风眠的作品《丰收图》2002年在香港佳士德秋季拍卖中以556.50万港币拍出。
（二）东方格调的华人经典画风的代表者——赵无极、群、吴冠中等
他们的作品得到海内外华人收藏家的广泛而有力的支持，是目前市场上最炙手可得的艺术家。赵无极的作品《1.4.66》2002年在香港佳士德秋季拍卖中以755.41万港币成交；吴冠中的作品《鹦鹉天堂》在2005年北京保利秋季拍卖中以3025万元成交。
（三）写实主义倾向的学院派画风——国内最早，也是最容易为市场所接受的绘画风格
其一是中国写实画派，其中的代表者有陈逸飞、陈丹青、王沂东、艾轩、杨飞云等。他们得到我国港台地区及东南亚、欧美市场的认可，作品单幅价格均已超过百万元。其中王沂东的作品《深山里的太阳》在2005年中国嘉德秋季拍卖会上，拍出了506万元的个人最高价。其二是中国现实主义画派，其成员包括孙为民、徐惟辛、忻东旺、郑艺、王宏剑、孙向阳和陈宜明七人。其中徐惟辛的作品《打工图》在2005年北京翰海秋季拍卖中，拍出308万元，创出个人最高纪录。
（四）青年油画家是目前中国艺坛最具创作活力的一群
他们成长于20世纪90年代，技术扎实，思维活跃，注重个性风格，形成多元化的创作格局。其中的代表性画家有刘晓东、张晓刚、方力钧、王广义、岳敏君、祁志龙等。刘晓东的作品《三峡新移民》在2006北京保利秋季拍卖中以2200万元成交，创下中国当代艺术拍卖世界纪录。张晓刚的作品《血缘系列：同志120号》，在2006年3月31日美国纽约苏富比拍卖行，以全场最高价97.72万美元成交。
结语
中国油画市场未来依然会呈现上升趋势。我们提取一个样本来分析：北京中诚信拍卖公司是一家专事油画拍卖的机构，迄今已成功举办了三次拍卖会。首拍油画专场是2004年底，总成交额为2167.1万元；2005年春拍总成交额为2585.1万元；2005年秋拍总成交额为3212.7万元。把北京中诚信拍卖公司的三次油画拍卖会的总成交额作一纵向比较，从中可以看出，中国油画市场的上升进度是呈台阶状的。
中国油画市场作为一个新兴的艺术市场，越来越引起世人的关注。它所蕴含的巨大的商机是显而易见的。在世界范围内，艺术品投资回报率最高的就是当代艺术品。目前中国油画艺术品市场份额在整个艺术市场中所占的比例还是非常小的，与书画、古董等传统艺术品市场相比差距还很大。设立艺术投资基金，把众多投资人的资金汇聚起来，通过专门管理人员的运作、多种艺术品类组合投资，最终实现收益的目的。这样一方面可以引导市场理性投资；另一方面可以活跃市场的交易，给更多人参与投资艺术品的机会。如何将近一百年来、数代艺术家探索与创造的油画艺术成果以及丰富宝贵的文化资产呈现在世人面前，并且跟艺术市场发生良性互动，进而有益于艺术创作，这是一个有待各主流美术团体、艺术史研究者、艺评家，美术馆、博物馆等公共艺术机构，画廊、拍卖行等商业中介机构以及传媒、政府相关部门共同深思的问题。市场的发展促使我们更加认真地总结近现代中国油画艺术的发展历程，关注当代文化艺术建设，进而能够为市场发展提供明晰的参考体系以及建立博物馆等公共收藏体制。这是油画艺术市场得以健康有序、蓬勃发展的前提。
参考文献：
[1]（美）林悦熙，陈伟梅.美国艺术收藏市场管窥[J].画廊.广州：岭南美术出版社.2006-04.第2期.
[2]李宏宇，宋涵.当代艺术品，火得就像房价[N].南方周末.2006-06-01.
受地域因素的影响，画家一般会选择一种与所要描绘景物特征相适应的表现语言。对于湖南和黑龙江两个不同的省份，由于自然景物的迥异，油画家选择的艺术语言也会有很大的区别。从两省自然景物的造型特征来看，黑龙江省是闻名全国的“黑土地”，地表的构成大多数是一种硬朗的直线条，树木大部分叶少枝多，树冠中时不时地会透露出树枝的走向，柔中带刚。而湖南是大面积的黄色或褐红色土地，地表的构成大部分是蜿蜒中带着盘绕的曲线，树木绝大部分是枝繁叶茂，树枝妖娆多姿。为了表现出其各自的地貌特征，艺术家所选用的艺术语言也会各有不同。黑龙江省的风景油画家一般都会将色彩和造型简单鲜明化，在视觉上也给人夸张的感觉。如田卫平的《油画写生——太阳岛2013》组画，景物的塑造和色彩的处理有意进行了强化与变异。树木的造型很多是球形、扇形，不多的树枝中零星的穿插几片小树叶，房子也被简化为圆锥体或立方体；其次是大片碧绿的树木和草地，纯紫色的天空，玫瑰红的屋顶，钴蓝色或中黄色的房子等，用笔豪迈、大气，具有极强的装饰意味。而湖南省的风景油画给予我们的是一种截然不同的艺术感受，含蓄中带有一种朦胧感，让人有一种无穷的遐想空间。如风景画家陈和西在构图时就比较喜欢运用皴擦手法在模糊中寻找形，使描绘的景物在似有似无中逐渐显现出来，给予观者一种边界线虚化的感觉。在用色方面，他比较喜欢运用绿灰、黄灰、紫灰、蓝灰等灰色系列，而且整个画面的色彩都融合在某一个灰色的色调中，给予人一种温馨而又祥和的感觉。在用笔方面，他倾向于“写画”的形式，下笔抑扬顿挫，追求一种轻松自然的视觉效果。
二、审美思想的不同
美学家宗白华也讲过：“一切美的感觉是来自心灵的源泉，没有心灵的映射，是无所谓美的。”因此，绘画总会带有个人特定的思想情感因素，是画家把自己的思想感情迁入景物中，深入体会景物情趣的过程。而在这两省中，不同的地域人文因素对艺术家个性的成熟与塑造是十分重要的，黑龙江人性格直率，粗犷豪放、质朴坚强造就了特有的“黑土”文化，风景油画的艺术风格也像乡民一样纯洁质朴，作品健康、朴素，以深沉为主。如刘治的《松花江畔》以一种强烈绚烂的印象派点彩、厚堆的手法来表现北国冰城风光，给人独特新鲜的感受。李秀实的《春到兴安岭》通过大小兴安岭连绵不绝的山峰和皑皑的白雪，既体现了黑龙江的浑厚和大气，也展示了黑龙江儿女积极向上的生活面貌。湖南由于受儒家、道家思想的影响，强调的是一种平和与圆满的态度，风景油画在风格上强调的便是一种意象，这种意象重视的是与原物在精神层面的接近，是一种“妙在似与不似之间”的韵味。如肖沛苍的《湖边小船》展现的是典型的江南水乡景色，远处水天一色，朦朦胧胧，近处小船悠悠荡荡，体现出一种怅然自得感，景物在灰色调中时出时没，表现了一种深远而又幽静的东方神韵。
三、两省风景油画艺术风格差异的价值
（一）有利于两省风景油画的本土化发展
通过两省风景油画艺术风格的差异性研究，笔者发现两省艺术作品风格的形成与当地的主流文化相适应，在某种意义上可以说是画家对自身经历的直观感受和文化渊源的挖掘，它有着强烈的主观色彩，体现了一种特有的地方特色，是艺术风格个性化的表现。而实际上，求异一直都是画家苦苦寻觅最佳的艺术表现状态，这种潜在的艺术驱动力促使画家们会进行艺术探索与创新，给观者带来一些新的视觉冲击力。而这些不仅丰富了我国当前的油画艺术的表现形式，还有利于两省的风景油画的发展与完善，逐渐形成具有代表性的地方画家群，进一步促进两省风景油画的发展。在湖南，经过画家们多年的努力和合作，现在已经逐步形成了一批以陈和西教授为中心的具有地方代表性的风景油画家群，他们不仅热衷于油画风景的表现与创作，还致力于湖南的本土文化研究，并尝试将着二者进行有机结合。为此，他们组织了很多相关的艺术活动，如建立后湖艺术区、湖南小型油画展、湘景湘情——风景油画展等，不仅带动和发展了湖南的风景油画事业，还为湖南油画的本土化发展奠定了坚实的基础。
（二）有利于两省地域文化的发展与传承
新与旧就像昼与夜一样二者永远也不会重逢但却永远你追我赶交替进行。新与旧相对而言只是时间上的逻辑问题，从本质上讲他们并不代表绝对意义上的好与坏。尤其是在艺术问题上我们不能简单地把新与旧和好与坏等同起来。古希腊的雕刻距今有两千多年的历史了，从时间上说它是很古老的旧艺术了，但在今天看来他们所表现出的大气雄浑和理想永恒的艺术高度至今无人能及。比它晚的古罗马雕刻在当时算是新的样式风格，而和希腊雕刻比起来显得古板拘谨在艺术成就上要逊色的多。再如，文艺复兴在油画上达到了绘画史上又一高峰，我们再看一下文艺复兴之后的那些继承者他们所谓的新面貌在艺术上是进步还是倒退了呢？艺术不同于科学，她属于人类的情感与意识形态范畴，优秀的艺术作品是人类情感与智慧在生活中凝结出的精华。虽然不能用新与旧的标准来判断绘画价值的高低，但我们还是不能否认艺术确实具有时代性，每一时代都有每一时代风格类型的艺术，每一个时代都有自己时代要完成的使命。新的艺术要在旧的艺术母体中产生，这是人类文化繁衍生息的自然规律。艺术在时间上的这种发展变化我们可以看作是新与旧的斗争。如果我们把艺术看作是人类精神世界的一种玩具，那么就会比较容易理解为什么人类永远需要新的艺术，新的样式。如同我们一件衣服穿了很久就想换一件新的来调节一下心情，换一种感觉。时间变化了，艺术所赖以产生的社会环境和所依附的人类情感就会发生变化，自然也就需要新的艺术来表现新的内容阐释新的情感。油画的发展也是在新与旧的斗争中不断前进的。文艺复兴就是时代环境（人文主义思潮的涌起，加之解剖学、透视学等科学实践活动的发展）变化的产物，它是在新的现实新的观念下产生的新的艺术样式，它应和了时代的脉搏且创造了绘画新的高度因而推动了美术史的发展。除此之外，美术史上还有很多这样的例子，例如，英国拉斐尔前派反对皇家学院派，印象主义取代古典主义，现代主义又彻底颠覆传统艺术，这些现象都在说明时代和现实的变化促成了油画的发展，新艺术与旧艺术的斗争推动了油画的发展，但同时我们还应看到新是在旧的基础上建立的，几乎每次绘画的革新运动都是打着学习前代的基础上进行的，文艺复兴倡导复兴古希腊古罗马艺术，拉菲尔前派主张学习拉斐尔以前的绘画，即使是最叛逆的现代主义绘画也是在传统中找到灵感的。
二、我们应赋予油画这条古老长河以怎样的生机
油画传入中国已有一百多年的历史了，近代以来中国的落后现实和东西方文化艺术的差异在面对西方文化时一直采取的是谨慎学习的态度，对于油画艺术东化过程，最开始更多的还是样式上的拿来主义。徐悲鸿借鉴的是法国19世纪现实主义绘画，林风眠、庞薰琹等借鉴的是法国现代主义绘画。但是，由于当时动荡的时局，中国社会的最大现实是以革命和战争的方式解决生死存亡的民族危机。而以林风眠倡导的现代主义绘画更多是在纯艺术领域的探索，这样的绘画是少数人研究的精英艺术，对于长远的民族美育来讲是有益的，但对于急需救亡图存的时代主题来讲是远水解不了近渴的。徐悲鸿倡导的现实主义自然最贴合国情顺应了时代也就得以一统天下。中国油画的另一个传统来自苏联，新中国成立后，面对国内外错综复杂的时局只能依靠苏联，通过派出留学生或请苏联油画家来中国讲学等方式使中国油画继续学习和发展。随着改革开放国策的实施和推进，中国人更多的走进西方的文化艺术，新思想新观念的产生也使油画面貌丰富多样起来，对西方油画传统的学习和油画体系的理解更加深入。中国艺术家已从油画样式的表面借鉴逐渐进入到对油画艺术文化价值判断的核心区。在不断的向西方学习的中国人渐渐明白了什么是油画以及油画所承载的西方文化内涵。在当下错综复杂现实和开放多元的文化语境中我们又如何对待已融入我们的文化土壤的油画，并让它结出更丰硕的果实。首先，我们要尊重油画本身，油画之所以成为油画而不是中国画、水彩画或是其他什么画种就是因为它本身的材料特性，整个造型和色彩体系以及几百年来修炼成的文化气质。油画在中国发展的一百年中，几代油画精英不断钻研孜孜以求的学习积累所做的一件事就是弄懂什么是油画，油画的特性是什么，以及怎样做才能画出真正油画而不是土油画。中国油画家在对油画媒材特性和表现力的研究上已经取得了巨大成果。其次，我们要尊重油画的发展。在几百年的时间里油画已发展出成熟的技巧和丰富的表现手法，无论是材料的选择使用，还是作画的程序步骤都发展得相当完备，历史上也涌现出对油画技法做出重大贡献的大师，如达•芬奇创造的明暗薄雾画法对油画写实技术的完备做出了重要贡献，提香晚期采用在画布上直接作画的方式，伦勃朗更是油画技法研究的大师，以及后来的印象派直接调和明亮的颜色在白底子上作画，这些大师对油画材料技法的特殊贡献使我们对油画形成最直观的认识。进入现当代以来一些较为前卫的艺术家为了追求更加赋有表现力和冲击力的画面，大胆采用泼彩、无意识涂抹、综合材料，甚至用人体沾满颜料在画布上作画。这些新方式新手段确实给油画带来了前所未有的张力，颠覆了人们对传统油画的理解。除了在材料技法上的发展，油画在创作观念上也与传统创作有很大不同，由单一传统的写实发展出抽象表现甚至观念表达。油画在新的时代里表现出了新的面貌，当然这种新貌里肯定是鱼龙混杂良莠不齐需要我们仔细加以鉴别。不管怎样我们还是要用开放包容的心态去接纳油画的发展，因为我们就生活在新的时代，新时代就会有新的现实也理应用新的方式去表现。再次，我们要尊重自己，尊重自己是指要尊重我们自己的文化属性。虽然在近百年来我们一直在学习西方，当然在当下世界大同彼此交融的时代我们与世界已经紧密相连不可分割，但本质上我们还是黑头发黄皮肤的中国人，在文化上与西方有不同的渊源和价值判断。实际上在油画传入中国的那一刻就已经开始东方化了，例如，第一代油画家徐悲鸿、潘玉良、林风眠等人虽然在油画学习的角度还不够成熟，但在自己的创作中却无形地显露出中国的文化修养和底蕴，创作题材也自然是中国的。
油画语言创新是形成个性化艺术风格的源泉，对于每一个油画者，没有在油画语言上有所突破，就不会有自己特色的油画作品，就不可能在艺术殿堂留下自身的烙印，更不可能成为著名的油画家。因此要加强对油画语言的学习和理解，并在创作中寻找突破点，不仅仅是在绘画技术上，在自身观念、自我意识上也要不断地进行提升。油画语言是一种视觉艺术，和音乐艺术、文学艺术和电影艺术一样都是通过不同的形式来表达人们的思维活动。音乐艺术是通过音符高低、快慢的旋律来触动人们心弦，文学作品是通过故事情节曲折起伏来打动读者，油画作品则是通过运用构图、造型、色彩、肌理等油画语言要素，搭配组合成画面来吸引观者的眼球，它既是一种思维意识也是一种技法手段，这就需要艺术家尝试创新多种多样的艺术语言，形成一幅幅具备美丽的画面效果又有良好的精神内涵的油画作品来表达自己的内心世界。油画语言个性化的形成离不开人的审美感觉，这种审美感觉渗透在作者点滴的艺术创作之中，经过长期的艺术体验和积淀，必然形成个性化的油画风格。一个成功的艺术家在创作作品时所运用的油画语言是与他内心的感受相一致的，他们将自己的情感完美地融合到画面中，用色彩来感悟人生、感悟世界。当然我们在探索油画语言的过程中会遇到很多具体的技术问题，如对油画材料工具的选择、对油画色彩干湿的把控、对肌理的处理等。因此，油画语言并不是短期内就能形成的，冰冻三尺非一日之寒，油画语言的固化形成自己的稳定的语言符号，是要在绘画的过程中经过长期的艰苦训练，并善于总结借鉴学习才能形成。当前随着中国特色社会主义市场经济的快速发展，作为市场经济的配套要求，与之相适应的社会主义文化紧随时代步伐迅猛发展，艺术思潮空前活跃，作为文化的一种载体的油画也在发生着深刻的变革，最为突出表现在油画语言的多元化、时代化和新颖化，这种变化既是时代需求的产物，也是艺术家努力地结果。当然，部分人片面地强调追求“个性化的油画风格”，却忽视了油画本身内在的社会根基，以及个人的精神修养，一味地追求名利，为了形式而去创作，对油画语言的认识流于简单和片面，没有真正理解油画语言的内涵，任何脱离对生活的观察和感受，都会使油画语言变成一种纯粹的手段，那样，油画语言就失去了它存在的基石，油画艺术的发展也就失去了它生命的活力。
二、油画语言创新呈现了不同时代的特性
油画语言紧跟时代的发展，是现实生活在艺术层面的具体反映，具有明显的现实性和时代特征。因此，个性化的油画语言具备不具备现实性，反映不反映时代的需求也是衡量一个艺术家水准的重要标准之一，也是我国当代油画向前发展的重要标志。新中国成立初期，随着国内安定团结政治局面的产生，我国文化教育事业得到迅猛发展，出现了一大批优秀的油画人才和一大批艺术作品。这个时期艺术作品整体表达单一，传统勾线造型、渲染平涂与明暗对比是基本的绘画手段，由于政治挂帅的因素影响，这个时期艺术家的思维意识受到了一定的限制，一切服务政治，一切以无产阶级革命理论为指引，艺术的多元化和艺术语言的多样性受到巨大的影响，创作出的作品风格比较单一，政治色彩明显。在油画语言上循序高大、洪亮的基本原则，如董希文的作品《开国大典》、罗工柳的作品《地道战》等，在一定程度上拘谨了人们的思路，限制了人们对生活本身的探索和思考，影响了社会正常的发展。20世纪60年代初，这个时期的绘画作品在社会压抑的氛围中有个别推陈出新的绘画语言的运用，但只是个别艺术家的在艺术领域的突破，就整个社会油画作品的主流来看，创作形式仍然比较沉闷的、缺乏生机和活力，形式大于内容，如汤小铭的作品《白求恩》，陈衍宁的《渔港新医》等。
文艺复兴时期油画诞生，早期的油画有着壁画、蛋彩画的痕迹。尼德兰的扬•凡•艾克兄弟的油画改变了西方艺术界一直使用蛋彩的历史。早期绘画主要以树胶和蛋黄为主要的结合剂，在经过了无数画家反复实验后，油画的结合剂转变为以油为主。早期油画的主要特征是鲜明的人物形象、强烈的明暗对比以及逼真的质感。文艺复兴前后的油画作品，颜色仅有黑、白、灰，色彩语言并不丰富，不会刻意追求色彩冷暖的对比，只是些许点缀其他色相的颜色，色彩的生动性十分欠缺。但是油画色彩不断地发展、变革，并由客观表现逐渐发展到主观表现，极大地提高了表现力，绘画语言逐渐完善。油画色彩在19世纪有了新的变革。画家康斯特布尔从室内绘画转向室外写生，在写生中获得更加丰富的色彩并将其表现在画面中。康斯特布尔凭着对大自然的仔细观察，感性地认识了补色原理。而德拉克洛瓦在其启发下将补色关系更多地运用到绘画中，在画面中采用了更多的色彩对比关系，提升了色彩的明亮度。景物的环境色、光源色、固有色是法国巴比松画派画家在不同天气条件下多次写生后认识到的，这对油画创作中准确地描绘时间、烘托画面气氛有着十分重要的影响。油画史中色彩方面最重要的一次变革无疑是19世纪法国印象派的创新。印象派画家将油画色彩从之前固有色的观念中解放出来。他们努力捕捉外光景物瞬间的色彩印象，画面中淡化了景物的素描造型，更多的是强调用色彩造型及光色的表现，注重运用色彩的冷暖对比，并尝试采用多种绘画技法。后印象主义画家在发展印象派丰富的色彩表现力的基础上，更加关注画面中个人情感的表达。这次色彩的转变使艺术家更加确立了绘画中主观色彩在油画中的地位，色彩的主观表现逐步增强。凡•高的油画造型和色彩语言就是这个时期的重要代表，他通过独特的色彩表现炽热的情感。
二、西方油画艺术中色彩的主要体现
色彩在一定程度上可以引起观者心情的转变以及视觉的兴奋，在作品中通常可以体现出作者的心理感受。在色彩语言的演变历史中，我们可以看出画家越来越重视色彩对心理层面的表现作用。色彩语言在油画作品中的表现特点体现在以下几个方面：
1.色彩的主观性
艺术家在创作中并不是完全地将景物照抄在作品中，不会完全地再现物象的色彩，而是以个人情感为依托根据画面需要去创造，形成富有个性特点的绘画语言。色彩在油画作品中的主观性也是相对的，是对于景物所呈现的色彩本身而言的。
2.色彩的装饰性
色彩一直以来都是进行装饰的主要手段之一。从远古时代开始，人类为了装饰自己开始往身体上涂抹颜色。随着时代的演变，色彩在更多的装饰途径中发挥了作用，如陶罐上的花纹、布料上的各种色彩和图案。而色彩的装饰性在油画中被发挥得淋漓尽致。每幅画中都有画家独特的情感表达，各种情感状态都可以表现在作品中。在视觉的作用下，各种颜色都可以带给人们特殊的感受。著名画家克里姆特的作品《接吻》采用金色调，除了部分花纹外全部采用金色作为装饰，是一幅极富装饰性的油画。凡•高在《向日葵》中较多地采用了暖色调，黄色布满了画面，色彩不受拘束，大胆、奔放，极富表现力。
3.色彩的表现性
在艺术理论中，“表现”即指人物的内心情感和心理的外感表现。色彩在油画中的表现作用毋庸置疑。色彩在绘画作品中可以表现出画家的情绪，使观者感受到作者细腻的情感。画家毕加索的绘画作品中就充分印证了色彩的这一特点。他绘画生涯的“蓝色时期”和“玫瑰红时期”的作品色彩传达出了截然不同的两种情绪：“蓝色时期”的作品中大部分是蓝色调，充满了伤感；“玫瑰红时期”大部分是红色调，让人感觉到强烈的生命力和热情。
三、结语
