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美术与设计论文(合集7篇)

时间:2023-03-24 15:20:46
美术与设计论文

美术与设计论文第1篇

美术字具有多种艺术效果,比如具有我国装饰手法的美术效果,还能具有一定的宣传效果,我们可以用它进行各种形式的宣传,另外它也是建设社会主义社会所必不可少的重要工具,美术字已成为人们沟通的重要渠道。我国汉字的造型由结构、笔画组成,汉字具有象形、指事、会意等特点。我们可以利用文字的特点进而设计出各种形式的美术字,这样的美术字不仅具有高亢、别致,还具有刚劲、细腻的特点,也是重要的表达方式,同时也是重要的表示图案,往往会给人一种美好的形象。汉字结构美是在汉字自身特点基础上进行挖掘出装饰美,这种美经过了反复,符合时代的特点。美术字不仅要从内容上出发,还要兼顾生动、确切的形象,通过这样的形式反映出合理、简单的装饰效果。传统汉字艺术设计与现代艺术设计有着千丝万缕的联系,可以说汉字艺术设计是符合当时时代生活的,一般经过了当时官方的认可,也代表了时尚的字体形式,书法家在一定程度上影响着时代文字形式的设计。

二、关于现代字体设计教学中美术字教学的思考

字体设计教学过程中,笔者认为美术字应该融入美感,美术字形式值得研究,下面结合笔者工作实践进行一些探讨。

1、有关基础理论讲解。

理论教学过程中,教师首先要求学生要了解文字即中国历史的文明发展史,认识中国汉字中所包含的审美要求。而美术字的形式感是和其所需表达的内容紧密结合的。绘写时应先从内容出发,对文字内容要进行艺术加工,从而将内容和形式完美结合:生动、概括,非常突出的表现文字内容的精神含义,进而增强宣传效果。

2、原型解析。

文字的结构形式是通过人类文明活动过程中沉淀下来的,具有约定俗称的结构形式。其结构形式应该符合人们习惯性的认知,也就是说文字结构形式应该与社会活动相适应。笔者认为教师应该要求学生在课余时间多临摹具有一定设计风格的字形作品,通过这个过程可以激发学生文字设计的灵感,进而发现字形结构美,字形特征以及字形形式。

3、案例分析。

教师应该结合文字设计典型案例进行讲解。比如,以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等;08年北京奥运一些列文字艺术设计,靳埭强的设计作品等;日本文字吸取了中国文字的一些精华,教师可以通过对日本文字的讲解,使学生在此过冲中汲取艺术设计营养,更全面的学习东方文化,可以学到不同形式的美,毕竟当代日本文字设计已经达到了较高的水平,日本文字同时也在向国际先进字体设计靠近,设计出了一系列文字艺术设计效果。通过以上专项讲解,学生可以自行选择几组自己感兴趣的字或词进行文字艺术设计,发挥主观能动性以及丰富的想象,通过尝试可以验证之前学习的效果。但同时也必须注意到,美术字和其他艺术作品一样,应注意以其自身的艺术性去吸引和感染读者。不可随意增减笔画,避免字体奇行怪状,难读难认。

4、结合实践。

熟练掌握绘写标准字体,在此基础上可以设计美术字,这是一个连续的过程。任何美术字都是通过标准字体形式衍化而来的,只有具备了扎实的绘写标准字体的能力,才能够设计出美观并且大方的美术字体。所以,学生可以先学好标准字,在此基础上进行艺术设计创作。通过以上扎实的学习,教师可以利用一些浅而易懂的主题让学生去设计艺术字,比如教师可以要求学生根据传统艺术字体设计方法,再结合一个特定主题去完成字体艺术设计。经过以上几个阶段的联系,学生可以懂得美术字体的实用性以及懂得如何去设计文字美术形式,进而发挥自己的想象设计出新的具有一定内涵的文字艺术形式。

三、结语

美术与设计论文第2篇

一、教学内容与意义的差异性

​美术教育是人类重要文化教育活动最早的门类之一,没有美术教育就不可能有美术的延续和发展,因此,美术教育适应于人们延续美术文化、传播社会知识、表达内心情感、满足审美需求的愿望而产生,并随着人类的进步和社会的发展而渐趋成熟。作为一种重要的教育门类,美术教育以其独特的方式发展和完善了人的精神和身体,促进了人类文明程度的提高,同时其自身也在这一过程中得以发展和完善,并与人类及其社会形成了彼此互助,双向建构良好和谐的关系。美术教育与人类社会的价值关系主要表现在,一是可以作为造型活动的入门之径,有助于培养社会所需要的具有较高审美意识,具有一定造型能力和造型技能的生产劳动者;二是可以作为一种有效的教育手段在整体教育环境中造就具有高尚情操、健全人格、发达心智的现代公民。艺术设计这一名称见于教育部1998年7月颁布实施的《普通高等学校专业目录》中,普通高等学校专业正式以“艺术设计”取代“工艺美术”这一提法的专业名称沿用了几十年[2]。从严格意义上来说,艺术设计教育这一专业名称至此真正的确立起来。艺术设计具有本体的多种特殊性,它不是一种纯艺术现象,是人类为生存而进行的造物活动,是人为了实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值,是一种艺术化的造物活动。与纯美术教育有严格意义上的不同。艺术设计在内涵上是从技术的、经济的、社会的、文化的角度出发,以功能效用与宜人性为目的,利用一定的物质材料和工艺技术,运用一定的艺术手段,按照美的规律进行构想策划,使之转化为具有特定使用功能、外在形态人机关系以及文化意味的实用物品。内容广泛涉及衣、食、住、行等人类生活的各个领域与各个层面。它既包括功能性较强的实用品设计,也包括审美性较为突出的观赏品的设计制作;既包含以手工艺为媒介的传统型设计,又包含以工业化大生产为基础的现代造型设计[3]。艺术设计教育通过有关艺术设计的基本理论、基本知识的传授,通过艺术设计能力、设计意识的培养,通过艺术设计方法、设计技能的训练,培养具备创新素质与持续性发展潜力,能够胜任艺术设计、教学、研究、生产与管理工作的专门人才。

二、人才培养目标的差异性

在推进艺术设计教育现代化的过程中,进一步强化现代教育的意识。社会进步,要求人才的素质全面提高;市场经济,要求人才有更强的适应能力和竞争能力;科学技术的发展,要求人才有更高的思维能力与创造能力;高科技的兴起,要求人才具有多学科知识的综合基础和掌握现代技术的能力;加强与国际接轨,要求人才对世界文化有更深入了解和批判吸收的能力。艺术设计教育要为现代化社会服务,教育思想首先必须现代化。简言之,艺术设计教育在于为现代化社会培养高素质优秀的专业设计人才,促进国民经济的健康发展,满足人们的物质生活需求,并在此基础上改善人的生存环境,完善人的生活方式和工作方式,促进全社会健康、稳定、合理、秩序的发展。

三、教学课程和设置的差异性

中国的高等美术教育早在20世纪40年代就已开始出现了,当时北平国立艺术专科学校就是以纯美术教育和实用美术教育发展起来的,新中国成立后国立艺术专科学校改名为中央美术学院。主要的专业系科为:国画、油画、版画、连环画、年画、雕塑、实用美术等专业。基本上是以绘画、雕塑、实用美术为主。1956年11月由国务院批准由中央美术学院华东分院实用美术系、中央美术学院实用美术系、清华大学营建系等单位的专业教师及若干名海外归来的专家共同组成成立了中央工艺美术学院,2000年并入清华大学,变成现在的清华大学美术学院。至此中央美术学院的专业主要以绘画和雕塑的造型方向为主,中央工艺美术学院的专业主要以实用美术和工艺美术的造物方向为主。这两所高等专业美术院校的教学模式在我国一直沿用几十年,并影响着全国各省的专业美术院校[4]。

在半个多世纪的发展过程中,经过几代美术教育家和国家主管部门的不懈努力,改革创新发展,逐步形成了具有规模化、系统化、专业化的高等美术教育体系。首先突破了沿用了几十年的学年制,改为具有合理学习模式的学分制。相对专业美术院校而言,所有课程分为必修课、专业选修课和公共选修课。必修课中包括时政课、文化课、体育课、艺术史论课,专业基础课、专业课。其中专业基础课包括:素描、色彩、速写、构成、创作等。专业课是根据专业方向设置而定,专业美术院校开设的专业方向为:国画人物、国画山水、国画花鸟、油画、壁画、版画、雕塑、水彩、美术学、实验美术等。专业选修课包括各专业方向的表现技法、表现风格、专业理论等课程。专业美术教育的课程设置,总体表明美术教育选择了某种价值取向,并主动探索适合这种价值取向的教学模式,不同的价值取向、性格兴趣及认识的差异,形成了中国美术教育多元化的教育体系。表现在美术教育中,注重美的观念和知识来净化学生的心灵,培养学生美的情操和感受美的能力。美术教育是一种智力活动教育,通过美术教育训练学生的观察能力和空间思维能力。美术教育又是一种技术的训练,通过动手的实地操作活动,培养学生一定的观察描摹和制作能力,以适应未来广泛的求职需要。美术活动最重要的是塑造美的造型,给人以美的感受。美术活动既遵循逻辑思维,更重视反常的、逆向的和发散思维。最适合发挥想象和思维的自由性。因此,美术教育重在培养学生的创造和求新意识,并通过这种创造意识在社会各阶层的实施,更好地促进社会进步与发展。

我国艺术设计教育起步于20世纪80年代初,最初就是从西方和日本引入艺术设计教育理论、教学模式和设计观念开始的。毋庸置疑,我国近现代高校艺术设计教育的产生发展,和近几十年特别是随着改革开放和国门的打开,在相当大的程度上受到西方及日本教育理论及教学实践的影响。西方和日本的各种不同的设计教育思想、教育理论和教育经验不断传入我国。确实,这些都给我们的艺术设计教育带来了方向和推动作用。当时的中央工艺美术学院、广州美术学院等是走在教育改革的前沿。如广州美术学院艺术设计学科建设中的“构成教学”,80年代初对中国艺术设计教学产生极大的影响。当时该校邀请了“香港设计家暨设计教育家代表团”来该校的工艺美术系访问、讲学、开展览会、研讨会。其间,由来自香港理工学院的设计师专家带来了有关设计基础教材和著作,如《平面构成》、《色彩构成》、《立体构成》、《设计运动一百年》等一批教材和参考资料。为此使中国的艺术设计教育界在对外封闭几十年后,对西方150年来的工业设计及设计教育的发展才有初步接触,这使得习惯了以写生变化为代表的基础图案教学的中国年轻一代设计师和教师大开眼界。在最近的20年中,三大构成课程被当作设计教学的典范立即运用到高等艺术院校的艺术设计教学中,构成教学课程一直作为艺术院校的艺术设计基础课程。发展到现在,艺术设计教育事业发展经历了“工艺美术教育到艺术设计教育”的历史沿革。工艺美术教育是以工艺美术行业的技艺传统、生产工艺、创作设计传统,发展成为一条教育主线,而艺术设计教育将是以现代工业生产与传统工艺美术生产中设计活动的艺术内涵、科学内涵与文化内涵的实现为主线。或者说,是以人的创造力的培养为主线。

然而,艺术设计教育与美术教育在课程设置上有功能和性质的差异。经过国家教育主管单位和众多高等艺术院校的艺术家、教育家、理论家多年探索实践和辛勤劳动,艺术设计课程结构更加专业化、规范化、合理化,使建国以来工艺美术教育领域一直严格执行的学年制改为学分制,对传统的工艺美术教学是一个重大的突破。首先是把全部课程分为必修课与选修课两大类。必修课包括:时政课、公共专业基础课、专业设计课、专业实践课、设计史论课、文化课、体育课。其中公共专业基础课程包括:素描、色彩基础、平面构成、立体构成、色彩构成、材料构成、设计表达、写生、摄影、电脑辅助设计等。专业设计课根据专业方向设置来决定。专业设置一般为:产品造型设计、环境艺术设计、视觉艺术设计、染织艺术设计、服装艺术设计、陶瓷艺术设计、装饰艺术设计、展示艺术设计、媒体与影视艺术设计等,专业实践课根据各专业要求到实际设计场所、设计公司、企业或生产厂家,结合不同专业进行实践教学。纵观每个专业的特色成果,都是与人们的生活环境和使用物品紧密联系在一起。选修课包括:美术类的绘画基础、理工科类专业基础知识、艺术概论、设计评价与作品鉴赏等。艺术设计课程设置,在各专业设计课的内容和任务方面、各专业基础课设置与要求方面、加强设计基础理论教学方面有着具体的要求。首先在专业基础课和绘画基础课的关系上,由于艺术设计专业与美术专业有本质的区别,因而绘画基础课应根据设计专业特点需要进行开设,不能等同于美术绘画专业的教学内容和训练方法。其次是专业设计课和社会需求、生产实践的关系上,根据适用、价廉、美观的设计原则,综合运用新材料、新加工工艺和形式美的观念,充分发挥学生的创造性。最后加强艺术设计基础理论培养,在设计概论、设计美学、设计史、人体工程、材料学、工艺学、营销学、设计管理等方面加强教学研究。因此,艺术设计课程设置正是顺应了时展和社会需求的新特点,同时体现了专业教学与素质培养的综合特征。艺术设计课程还将根据社会经济发展和人们生活方式的改变,而继续进行优化课程结构、探索新型课程的尝试。在物质生产和提高生活水平上,更加体现实用与审美的意义。

四、教学方法的差异化

我国艺术设计的教学模式与美术教育教学方法在社会实践应用上有本质的差异化。课程设置长期以来一直由公共必修课、专业基础课、专业设计课、艺术设计理论课、专业实习课、毕业设计课等几方面组成,按照循序渐进的原则,按部就班地依次进步。在教学中大量采用单科独进式的课程编排顺序,各门课程往往相对独立,学生大多都不清楚不理解学习目的,而被动的接受教育,等到课程结束后才明确学习目的。因此学生平时只能凭兴趣被动接受课程内容很难掌握各设计课程之间的关系;各门课程之间缺乏有机的联系,只是把各课程内容简单的叠加,忽视各方面知识的综合积累。现阶段国家教育部门和艺术设计院校经过大量调研摸底,并进行了大胆的改革,实施了新的切合实际的教学模式,确定了解决问题的方式。其中由课堂教学向实训室、工作室、实验室教学转化;由单科独进向多课题并行教学转化;由讲授式向启发、咨询式教学转化;简化课程设置;课程选题注重兴趣性、参与性、研讨性、实践性鼓励学生个性、创造性的发挥;重视对学生作业成果的讲评和总结。此外,还对学生课外研修与设计实践作了具体的规定,要求根据教学进程,对学生布置一定数量的课外必读资料,提高学生的自我学习能力和专业素养。组织学生参加校外和专业教育机构举办的有关大奖赛、展览、演讲、交流等设计实践活动,以检验学生的学习成绩和提高学生设计的实践能力。

在结合社会教学实践内容中,近年来艺术设计教育探讨最多、成果最丰富的应当属课程设计案例教学方式。案例教学方式就是通过全面剖析设计典型案例,从设计选题、调查、定位、到设计实务、生产、销售、使用等全过程的分析,使学生对各环节以及做好每一环节所必需的知识技能和专业素质有一个整体的印象,然后在严格选定的典型课题之上,让学生主动地选择相关课程,最后完成课题的教学模式。此种教学方法大大充实了课堂的实操教学内容,调动了学生设计思维的积极性和求知欲。通过对设计实例的讲解、分析、讨论,让学生了解设计的全过程以及设计思维的内容和方法,这样,有利于学生从课堂中获取系统、全面、实用的知识。有利于拓展课堂教学功能与优化教学内容结构,有助于把握课程教学思维导向,从而调动学生的主动性及参与性,最终使学生获取充实有用的知识。

五、结语

高等美术教育与艺术设计教育的差异性区别,用黑格尔的话来说:它们的分水岭主要是功能的区别,美术是一种纯精神产品的创造活动,而艺术设计是精神与物质结合的产品创作活动。两者就是解决“造型”与“造物”的根本问题。美术教育是在审美观念与态度上走在艺术造型的前沿,也正是艺术造型这一力量,才使人们对普通事物产生浓厚的兴趣。艺术设计的造物活动也正是有意而为的。艺术设计的造物活动包涵艺术性和美术观念,除此之外艺术设计还需要现代科学技术的支持,来完成物质材料性结构体系。当然艺术设计产品不是纯艺术品,但也不是科学发明和纯技术产品,这两个边缘交叉点正在造成艺术设计独立作用的区域。正如著名艺术家张道一先生分析道:“如果说,人类的造物活动是基于生活的需要,从而带有明确的目的性,这是很对的。问题在于,须进一步认识‘需要’的含义。吃饭用碗(钵),陶罐可以盛水。这是原始人已经知道并在造物活动中已经解决了的。可是为什么在当时生活条件极端困难的情况下,人们连温饱都无法保证,何以花费那么大精力去在陶器上描绘花纹,或是取来卵石、兽牙、蚌壳进行穿孔,串联起来挂在颈上以为装饰呢?看来,除了实用之外还有审美的意义。”[6]美术教育是通过绘画、雕塑在内的一切视觉艺术的审美观念和技能培养,传授对不同事物进行美的塑造,使之成为具有审美意识和审美价值,是培养造型能力和造型技能的造型活动;而艺术设计教育具有明确商业目的性,创造实用性与艺术性融合的产品,是学科专业内容设计创作与技能的教育;传授的是以使用功能与宜人性为目的,利用物质材料和加工技术,按照审美规律,使之转化为具有特定使用功能、符合人们使用、文化品位较高的实用物资产品。

美术与设计论文第3篇

一、民间美术

在我国传统文化中,民间美术是指百姓在日常生活所创造出来的一种美术形式,经由口传身授将当时的审美意识传承延续的艺术,其具有生活适用性、民俗文化性以及艺术审美性的特点,并将自身的审美观、价值观融入艺术创作,这也是民间艺术最主要的特色。此外,民间美术在基层人民中诞生,其出现的目的就是为了进一步使人们的精神生活得以丰富,包含着各式各样的民间美术形态。即使它是建立在物质基础上,以物质的形态出现,但其本质依然是一种精神象征。

二、现代艺术设计

随着社会经济的发展,现代艺术在设计过程中逐渐摆脱物质实体的限制,成为一个国家或地区重要的文化体现,反映出不同地域的审美风格。现代艺术作为当代文化与美学的综合性表达手段,在人们的工作、生活的各个领域中逐步渗透,所以,对于现代艺术设计的认识应该是全方位与多角度的。对于现代艺术设计来说,其主要以体现社会意识而存在,能够将当代社会的审美意识反映出来。现代艺术和民间美术的主要差异在于现代艺术在设计中受到科技发展的影响,并以科技的发展为基础。因此,科技的发展不仅对现代艺术设计的设计对象、设计方法具有重要的影响,还拓展了现代艺术的设计思维。

三、民间美术和现代艺术设计的融合探讨

1.现代艺术设计源泉来自民间美术

优质的艺术素材常常源于人们的日常工作和生活,生活经过艺术家的提炼、筛选及润色后就具有了浓厚的艺术气息。民间美术是民间文化传承的重要手段,其在现代艺术中以源头的形式存在,并主要表现在物质和精神两个方面。物质作为民间美术的重要载体,是民间美术中不可或缺的重要组成部分;精神则反映出当代人的审美意识与审美追求,是民间美术的思想结晶。中国拥有悠久的历史文化与民族文化,现代艺术设计中重要的设计灵感来源就是丰富的民间美术。因此,设计者要不断采纳与吸收民间美术的精髓,从而创造出独具一格的艺术作品,进而在推动现代艺术发展的同时将中国辉煌灿烂的民间文化传承下去。

2.民间美术深化现代艺术设计创造力

民间美术对于现代艺术设计的影响是多角度、多方面的,其创作视角所具有的独特性以及设计方式所具有的开放性给现代艺术设计提供了无限的创造力与想象力。民间美术主要通过想象力与创造力的结合,充分表达出创作者的思想感情。在现代艺术设计中应用民间美术,不但可以培养设计者的想象力,还能探索与发现素材所具有的规律性,从不同的视角观察和思考事物,促进思维的发散性。

3.现代艺术设计借鉴与应用民间美术

随着各种现代艺术活动的开展,更多的中国艺术品逐渐走上了国际化道路。可以发现,走上国际化道路的艺术品其成功之处就在于立足本土文化,借助中国传统文化丰富作品的内涵与意义。这在现代艺术对民间美术的借鉴应用中得以体现,这对于创作出更好的现代艺术具有重要的启示。

4.两者之间的文化内涵共通

在创造民间美术的过程中,必须坚持艺术理想与人生理想的价值观念,将这些因素融入创作主题,将人民生活的情感接通,融入自身对于生活的热爱和美好的心愿。伴随民间美术的广泛应用与现代艺术的设计实践,不论是时间上或是空间上都要做出相应的改变,民间美术中所具有的人文精神也是现代艺术在设计中需要汲取的重要精华。此外,民间美术的设计主题还能充分激发现代艺术在设计选材中的灵感,让民间美术成为现代艺术设计的创作灵感来源,从而促进两者之间文化内涵的共通。

结语

美术与设计论文第4篇

民间美术艺术承载着来自古代的文化、哲理、审美、民俗等多方面的集合,是中国历史文化的瑰宝,呈现出色彩斑斓的赋色体系和丰富的文化内涵,并以富有深意的造型和充满地方特色的材质代表了某一时期某一地域内呈现的人文环境。民间美术艺术也因文化中心的多次迁移而表现出多层次、多元化的现象。在国内,对于民间美术的分类也有多种看法,如李锦璐先生在《对民间美术的一些认识》中进行的分类,包括:“日常活动、节日活动、祭祀活动所表现出来。”而邓福星先生则在《论民间美术》中将其归为:“供奉、宅居、服饰、器用、贴饰、游艺等六类。民间美术的分类繁多,工艺也各有千秋,在人们日常生活中的各个部分都有所表现。小到陶瓷玩具、剪纸、刺绣,风筝。大到雕塑、泥塑、建筑石刻,还包括一些特色的小吃玩意儿:糖人、面花面点等。它美化了物品的功能,并赋予它们新的审美意义,全方位的体现了当时社会环境下人民生活的现状。

二、美术设计中可对民间艺术的选用

(一)民间色彩

我国的民间美术具有悠久的文化历史和人文内涵,其在色彩的选用上更是五彩斑斓,富有深意。就像瑞士心理学家卡尔.琼曾说的:“色彩是潜意识的母亲,它可以唤起人们早已忘怀的记忆和情感。”奇妙的色彩语言在民间美术中的运用凸显艺术的文化性,是创作者与受众进行交流对话的语言形式之一,具有装饰、象征、寄托等多重功能。民间色彩的应用不是纯粹的随心而定,根据情感来搭配,而更多的是在生产活动与社会交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩观念中形成的阴阳五行说和趋吉避凶的世俗心理,或是对单种颜色的色彩崇拜。现代社会是视觉时代,而色彩在视觉中带给人更多的情感导向,让人在第一感官中产生或明快,或沉静,或绚丽,或素雅的印象,与人们的生活紧密相连。服装的颜色、建筑的颜色、商品的颜色甚至是整个城市的颜色基调,很大一部分都需要色彩的仔细搭配。美术设计作为以视觉为主的艺术设计形式,更需要来自民间色彩搭配的借鉴。

1、单色崇拜

人类对色彩的最初认识就是从单色开始的,根据科学调查,人类从婴儿时期开始识别黑白两色,也就是说从出生开始到4月后,人眼中的世界从主观认识上是如同黑白电影一般的,到后来随着各项身体机能的成长才逐渐识别到其他颜色。而黑白两色的简单搭配,也被赋予了“一生二,二生三,三生万物”的八卦变化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”,到了秦朝,秦始皇统一六国之后认为:“今秦变周,水德之时。昔秦文公出猎,获黑龙,此水德之瑞。”于是秦更命河曰:“德水。”“以冬十月为年首,色上黑,度六为名,音上大吕,事统上法。(《史记•封禅书》)”又回到了黑色崇拜。人们对某种颜色的喜爱似乎代表了某个时代的特殊印记,确又在历史的前进中周而复始。在现代美术设计中,设计师总是利用色彩的视觉冲击来吸引观者的注意,而单色所彰显的精炼感能带给受众更丰富的内容和更强的冲击力,对主题所要表达的情感以简单直白的形式呈现给大众。民间色彩中所流露出的简洁、鲜明、响亮让现代美术设计增加几分“少即是多”的美感。一来可以表明艺术品的整体基调,二来通过人们对民间色彩含义的某些固定印象,完成对信息的传递与输出。

2、五彩彰施

从单色到五色,人们将颜色与阴阳五行学说结合在了一起,成为认识天地、自然与与神灵相接的重要思想。我国传统的五色是指:“青、赤、黄、白、黑”,与古代朴素的唯物主义理论“五行说”相对应,如董仲舒在《春秋繁露.五行之义》中所提到的:“木居左,金居右,火居前,水居后,土居中央。”就是将五种颜色配以五行的对应说法。因为五行之说是相生相克的,所以在颜色的搭配上也有诸多的可与不可。民间美术色彩的对比从色相上来说跨度很大,而且多使用补色、冷暖对比,显得较为浓烈或夸张,极具表现力。如在民间木板年画的色彩应用中,为了让整个色调更加有节日的喜庆效果,用“红配黄,喜煞娘。”等搭配方式,让红色从侧面引发人对火的联想加上黄色的亮眼,无形中就将我国传统节日的气氛表现了出来。现代美术设计过程中,充分借鉴民间色彩搭配,能对文化内涵有更深刻的认识,如一些复古的服装服饰,将现代工艺之美搭配上民间色彩的绚丽,创造出极具本国特色的民族服饰。又比如在广告设计中加入各种民族色彩标签,将城市所象征的颜色作为某种文化输出,实例是北京的出租车就将黄色作为基本色,与北京“皇城”的身份相匹配,然后选择四方的八种色,代表祖国的四面八方。

(二)民间艺术造型

民间美术作为一种造型艺术,呈现给大众的不仅仅是奇特、宽博的造型方式,同时也包括了在进行这项运作时所剖析到的创作手段、社会背景、文化内涵、民族情怀等等。艺术造型是千人千面的,极富有想象力和主观能动性,但会通过相互影响而在某一地区形成独特的定势。但从创作的思维方式上来说,中国民间艺术造型也与世界其他国家的艺术造型有共同点,如法国、苏联等地出土的“丰产女神”像与我国辽宁红山文化女神裸像有异曲同工之妙。就像一位先哲所说:“人类趟过的是同一条河流。”即便如此,各个地区的人民也因各种因素的影响,还是呈现出多元化的艺术状态。中国民间造型艺术迎合着古代历史文化的潮流,展现出不同寻常独特的魅力。“以大为美”、“以生为本”、“对称性特征”、“造型的完整”是本国民间艺术造型的几项特点,也为本国的各类造型艺术提供了丰富的涵义,如比喻剪纸中出现的“双鱼石榴”、“莲花娃娃”,泥塑中出现的“虎头帽”、“猪头鞋”等等,都从坦诚的反映出民间劳动者对生命、自然的真挚情感。在现代文明高度发展的今天,我们越来越开始关注文化的民族性和本土化,在诸多的现代商品中,在功能作用得到极大满足的前提下,人们逐渐返回到对产品的传统性、手工性及自然感的关注,如一些以现代人物、生活为题材的新年画报又重新回到了人们的生活中,还有一些传统造型的商品以新材料仿旧制造后又成为人们的陈设把玩。现代美术设计在点、线、面的分割组合中需要图形本身包含的涵义和文化来支撑。

三、结语

美术与设计论文第5篇

1.中国传统元素在与点的构成中的创新

现代美术设计中,设计的创新就是运用点的大小、形态以及位置和方向上进行构造,创新的形式无非就是将点的排列以线与面来表达,或者将线与面结构成点来表达。点这个元素具有特殊的形态以及被赋予不同象征和寓意的特征,比如,一个圆点所拥有的简洁干练、内敛的特点,象征着圆满、团圆或者成功。因此可以将我国一些传统的元素运用到现代的美术设计中去,并不断进行创新与改造,变换可塑之处,保持其不可塑的原始特征,使得传统元素与现代美术设计理念相辅相成、互相碰撞并巧妙结合。这样一来,不仅达到了现代美术设计创新的要求,更提高了美术设计的价值和内涵。

2.中国传统元素在与线的构成中的创新

现代美术设计中对线的充分想象与创造,并且赋予线这个元素很多特征。普通的线可以分为很多的形态、种类,也能体现出不同的特性与质感,因此也被赋予了不同的意义。在现代美术设计的同时,只有充分利用线的质感进行创新与改造,就能取得意想不到的效果。将线元素与不同的事物联系起来,能够巧妙的展示出事物的性质与特征,以简洁的设计就能体现事物的轮廓,巧妙的表现出艺术的魅力。

3.中国传统元素在与面的构成中的创新

众所周知,设计中的面不存在厚度等元素,人们可以在设计中用长度与宽度就可以表达一个面元素。因此,面能够给人一种深邃、稳重以及较大视觉冲击力的感觉。利用人们看到面产生的这些抽象词语,现代美术设计中可以充分利用起面的这一特征,对传统元素中的面进行切割、重叠、简化以及并置等手法进行创新与融合。与点、线元素一样,将可塑造的部分进行简化或者分割,保留自身不可塑造的特点,根据现代设计意图,可以重新对面进行组合、创新,形成创新的面结构以表达不同的含义。

4.中国传统元素在与肌理构成创新

肌理是一种表现当代语言形式的元素,其不仅给人无尽的想象力,还能发挥出人的潜能与记忆。因此,充分利用起人们对肌理元素的想象,合理利用在现代美术设计中,利用肌理构成手法不断进行设计创新,就能取得良好的成果。例如,在现代的美术设计课程中,对于课本的封面设计,可以运用起肌理构成手法,将课本内容以美术的形式表现出来,赋予设计和书本内容相符合的意义,有效结合,达到美术设计的目的和效果。中国传统元素在抽象几何与解构主义审美上的创新现代平面设计中,对抽象几何图形的应用具有很重要的参考价值和使用意义,虽然几何图形在艺术理念、哲学思想方面和现代美术设计有所不同,但就艺术形式和艺术语言、特征来说,大体在一个方向。因此,应充分利用传统元素的抽象几何审美,结合现代美术设计的理念和主体、内容,合理的组织有效元素之间的顺序,更加形象的表达现代设计的内涵和目的。而解构主义则是最有效的创造方式,目前在绘画、建筑等领域使用较为广泛,解构主义强调的是解散、片段与不完整,与结构主义不同,也是结构主义的衍生。因此,在现代美术设计中,根据设计的要求,合理的使用解构主义中的错位、重组、分解等手法,有效地对传统元素进行局部或者片段的分解,使设计达到创新目的。

5.结语

美术与设计论文第6篇

现代平面设计的空间是各种元素组合的力场,是人们看到平面设计作品感受的心理空间.随着社会的发展,人们物质生活的提高、审美观念的转变,对平面设计的要求也发生了巨大的变化,从过去二维的表现形式到现在从三维的角度设计作品.具有代表性的是日本著名现代设计大师福田繁雄,他的作品是用图与背景的关系描述多维的世界,把各种各样的元素有次序的组合在一起,传递某种视觉信息,这也是现代平面设计所要求的.虽然现代平面设计风格多彩多样,制作和表现手段也由电脑取代手工,但是平面设计不只是单独地从形式的角度进行创作,它更需要在空间和多维的角度对传统文化进行诠释,传达新意.在现代平面设计中,人们有一种普遍的共识,就是现代平面设计的内涵应具有传统性和民族感,因此传统民间美术往往成为现代平面设计的切入点与灵感之源.中国古代阴阳、正负的观念与民间美术的空间概念密切相连,民间美术中的民间绘画、版画、雕刻和剪纸都有打破时空局限的形象转换、突破常规透视变化的主观意象表现手法,这种表现手法正是现代平面设计所需要的,可以为现代平面设计提供给更为灵活多变的视觉元素.虽然平面设计与民间美术属于不同的视觉语言体系,但在更深入的层面上却有着千丝万缕的联系与沟通,如何在更广阔的意义上研究民间美术与现代平面设计的融合与互补,对建设具有民族特色的现代平面设计具有重要意义.

2民间美术在现代平面设计中的应用

民间美术中许多经过长期积淀、约定俗成的图案纹饰,如:龙凤、祥云、钱纹、盘长等吉祥符号,把这些纹饰根据需要经过提取、改造,巧妙的组合起来,使之成为即富有原有意愿和创新意味的视觉形象.在现代平面设计作品中,有许多都采用了民间美术的元素,例如:1998年世界杯的宣传海报中就有蓝印花布这种民间艺术元素.这是民间美术元素直接运用在现代平面设计作品中,当然也有民间美术符号以含蓄的方式表现出来,如:现代平面设计某些作品中的图案是用锯齿形的方式表现的,而锯齿形是民间剪纸的特有造型,民间剪纸的造型大多夸张、活泼和简练,这种民间剪纸的特征应用在现代平面设计中,给人独特的审美情趣.民间美术元素无论是直接、间接还是经过改造、创新应用在现代平面设计中,一般采用的都是人们熟知的民间美术符号,这些符号通过创意的设计,就构成新的具有设计意味和全新的视觉形象,既有民族的意韵也富有时代精神.民间美术具有独特的造型语言和鲜明的民族特色,其质朴而富有创造性的造型和配色技巧,是现代平面设计必不可缺少的宝贵资源.把民间美术的制作技巧、设计思路创造性的应用在平面设计中,对传统民间美术的继承和形成有中国特色的现代平面设计体系具有重要作用.

3现代艺术设计与民间美术的相似性

民间美术和现代艺术设计之间在内涵、变现手法、色彩运用等方面,存在许多相识之处.

3.1大众性

民间美术是由普通劳动者创造出来的,是描述生活、生产的,也是一种包含某种情感的精神产品,为普通劳动者接受、喜爱的一种大众文化.而现代艺术设计尤其是平面设计、室内设计都是为大众服务的,普通百姓所使用的各种用品也是设计师设计出来的.

3.2实践性

民间美术的许多作品实际是一个制造的实践过程,如:剪纸、木雕、陶艺等,这些作品内容往往形成在劳动者的大脑中,很少有图纸和设计稿子,是在劳动中创造出来的.在现代艺术设计发展的过程中,不管是最初的工艺美术,还是后来的包豪斯教育体系,实践是每个阶段重要的特征,只有实践艺术设计才能发展,因此,现代艺术设计是在实践的基础上建立起来的.

3.3实用性

实用是现代艺术设计的一个重要要求,设计师在设计产品时,首先要考虑的是产品的用途,既产品的作用,而不是产品的外观.在民间美术中,实用性表现在民间美术的造型中,如:在陶器上的半坡鱼纹装饰,不仅外观漂亮,在实际生活中还起到方便使用的作用,另外:蜡染布、双头老虎枕等,这些外观精美又很实用的造型,在民间美术的许多作品中比比皆是.此外,在民间美术,也有许多是以简单的线条,华丽深沉的色彩搭配构成抽象的形象作品,如:陶艺上的鱼纹,蜡染布上的深蓝等,与现代艺术设计中常用的点线面的表现手法有极其相似.民间美术造型含义也是丰富多样,不同的民间美术造型代表着不同的喻意,如:绿色表示长寿,在艺术设计中则代表着生命、环保等意义.而民间美术中的石榴、蝴蝶等动植物形象也有丰富的喻意,这些作品形象是人们在趋利、求福、避害的观念下形成了一件件完整的艺术作品.

4民间美术单纯质朴的艺术风格在现代平面设计中的传承

民间美术是由广大普通人民群众创作出来的,这些普通老百姓大多数是从事生产劳动的,几乎没有经过专业的美术学习和培训,因此他们的作品从专业角度来看,有些粗糙,在艺术形式和技巧上有些欠缺,但是正是他们没有受到专业的束缚,才可以自由的创作,把自己的生活和精神用朴实的、单纯的艺术风格表现出来,这种风格就像清水出芙蓉,充满了清新、活泼,这种质朴之美,富有创造力,令人陶醉,充满着浓郁的乡土气息.民间美术是生活和艺术的结合,在我国从多的民间美术作品中,无论形式如何,都有着质朴、单纯的艺术风格,例如:金山农民画、户县农民画、邳州农民画等,这些作品内容都是作者身边的物和事,颜色欢快、明丽,整体给人以亲切、质朴、淳厚的感觉.这博大、深厚的民族艺术意识正是我们现代平面设计所欠缺的.现代平面设计过于商业化,是一种商品,不是民间美术那种单纯、质朴的艺术之美,因此在现代平面设计中融入民间美术质朴的艺术元素,能让人保持一种平常心和质朴的心态.

5结语

美术与设计论文第7篇

在当今社会中.可能人们见到最多的版面设计就是报纸杂志之类的读物。人们对这些读物已经有很长的认知时间,比较熟悉.如果改变或改进这些读物的排版,是不是可以更吸引读者的眼球呢?如今一般读物还是缺少设计的意识,而更多是进行简单的排版。其实在版面设计中有以下几个要素很重要:图、文、色、版式、网格系统、视觉流程和形式感法则。

图片是传播过程中很重要的一个部分。它类似于文,能够进行信息的传播,也是人类最早的信息传播方法。我们通常见到的版面设计,如果能够让你过目难忘,我想,就是图文并茂的视觉冲击力所致.图片是版面设计生动所不可缺少的要素.它给我们的视觉效果最突出。不可否认,各类图片在报纸版面上的地位不断提高:新闻照片凝固真实的瞬间.以视觉艺术的魅力吸引读者;部分专业性强的科技、经济报道应用图表、图解使复杂又难懂的问题简化.易于被读者接受;更有报纸将漫画引入版面,以艺术形式评价新闻内容,其形象性、直观性远胜于传统的文字评论。WWw.133229.COM比起长篇累牍、洋洋洒洒的文字,图片凭借鲜明夺目的色彩和极具张力的表现手法更容易形成视觉冲击,在“三步五秒”内吸引观众“眼球”。但是,“厚图”不是泛用、滥用图片,“薄文”也决非以牺牲新闻的信息含金量为代价.一些报纸在过分追求图片效应的同时走人了新闻性缺失的误区。首先表现为图片篇幅过大,数量过多,占用了新闻报道的空间。图片的数量和篇幅大小都应由报道需要决定.以“最能表现相关新闻事实.最大限度发挥传播效果”为依据。其次表现为图片的新闻价值低,内容与相关报道不切合。“厚图薄文”目的是以图片表现力强之长弥补文字枯燥、繁冗之短.因此选择的图片应该兼具真实性、新闻性、艺术性与表现力,达到“一图胜千言”的效果。

文字就像人活着要穿衣一样是不可缺少的.在排版中文字相对比较多一点,它更可能的就是和网格系统同时进行。不同款式字体包括自己设计的.在整个版面中还是不可代替的。主标题的突出,加上利用网格系统对文本编排.使得版面更富有设计的感觉。文字、图片、色彩、线条、底纹等要素在版面中的存在并非孤立,也并非简单的叠加、排列、铺陈。而是通过彼此的优化组合达到“1+1>2”的效果,“使片景孤境能织成一内在自足的境界”.利用局部的巧妙组合创造 “整体美”,在灵活的变化中求得“统一美”,通过有秩序的安排达到“和谐美”,真正具有艺术性的版面应该能够将这三种美融合在一起,达到和谐美。强调版面艺术性不仅是对读者阅读需要的满足,也是对其审美需要的满足。

色彩也是比较重要的一个环节。以前我设计的版面不是很和谐,比较突兀。一开始我总是不明白为什么,但接触更多之后发现,对色彩的把握能力直接关系到整个画面。小时候看多了黑白电视后.我开始讨厌黑白颜色,觉得那很土。但学了设计后.发现黑白的一张照片,或者一张海报,他并不难看.甚至在某个氛围下它比彩色的图片更适合。一般红色代表喜庆、热情、积极,2008年8月8日北京奥运会开幕,我国各类日报、晚报版面都是整版的红色调,渲染出全国上下一片喜庆气氛:而黑色代表庄严、肃穆,2008年5月12日四川汶川大地震发生后.随后几天,全国报纸都是以黑、白、灰作为主色调,就连电视节目、电脑网页也都改成黑白色,如果此时还以红色作为报纸的主色彩,就无法达到肃穆、凝重的视觉效果.也就无法表达对死难者的哀悼之情。总之,色彩具有表达情意的作用,色彩的使用要符合报纸所要表达的主题。如果不分具体情况和特定场合大量使用“浓墨重彩”。或给一个标题套上几种颜色或整版“姹紫嫣红”,就会让读者分不清到底在表达什么情感,以至在导向上出现了偏差。就会失去报纸的宣传、教育和导向功能。 视觉流程也许不是很大的一个要素,但在版面设计这一块也是不能不谈的。学习版面设计后才明白,以前做福建卫生报版面设计时可能对于文字的编排没有侧重点.整个画面太乱。要表达什么或者要达到一个什么样的效果.心里比较模糊,在一些图形以及文字处理上没有一定的层次关系,让蓁冒7ujzan aats z。。。,z主题的部分更加突出.达到一下子让人注视到的效果。视觉上还要注意一般的文字.可以选择单向的视觉流程。因为文字本身在书写上和我们的阅读上就是从左到右.正好符合单向视觉流程。

形式感法则和版式我觉得还是比较接近。内容与形式是相互依存的。恰当的版面形式可以更有效地传播新闻内容。使报纸具有吸引、感染读者的独特魅力。版式设立后就会开始联想到形式感.比如我想设计一张单页的文字在整个版面的中间,那么我就会联想到形式感法则中的对称式平衡。什么样的一个版式,什么样的一种形式,其实直接关系到作品的表现力。但是在内容与形式的关系中。内容始终是占据主导地位并起决定作用的.一张报纸最终能否得到长期稳定的市场认同.根本还是在于它提供的内容能否最大程度地满足读者对信息的需求。报纸的形式、版面设计始终要为其宣传内容服务,两者相辅相成才能相映生辉。